Las
olas del mar chocan con suavidad contra las casas, con puentes que conectan las
calles de la ciudad, iban y venían, no tenían fin. Los vaivenes de las olas se mecían
imitando a una canción de cuna, la brisa fresca que llega a los
transeúntes, el vuelo de las gaviotas; seguramente hubo una inundación
recientemente. Es 23 de marzo, los fríos han cedido, el canto de los pájaros
daban bienvenida a la época de fertilidad y del colorido de paisajes. Es primavera
de 1703.
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| Antonio Lucio Vivaldi (1678-1741). Retrato de Sardelli. Fuente: El Cultural |
Es
la ciudad del viajero Marco Polo, del famoso aventurero y libertino Giacomo
Casanova, del pintor Giovanni Bellini y de músicos como: Tomasso Albinoni, famoso por su Adagio en Sol; Antonio Caldara y los
hermanos Marcello. Esta ciudad tiene especial atracción para los artistas, han
desfilados pintores como Tiziano, Tintoretto, Veronés, Giorgione; la reunión de
grandes artistas en esta ciudad es gracias al patrocinio de los señores amantes
del arte.
La
ciudad de Venecia se encuentra mar adentro. Cuando la marea sube, llega más allá de los
canales inundando las calles, los habitantes de esta ciudad ya están
acostumbrados, como tal, no ha habido
ninguna inundación, y si lo hubiese, los venecianos han inventado un medio de
trasporte local las góndolas.
Es
el año de 1678, Venecia vive su apogeo comercial y artístico, la ciudad verá
nacer al veneciano más famoso, su nombre resonará con su música en todos los
rincones de Europa. El 4 de marzo, se escuchó un chillido de una criatura, no
paraba de llorar; la oscuridad no permitía vislumbrar al niño ni a la mujer que
daba a luz, era una habitación oscura alumbrado con una vela que apenas permitía ver la cara a los presentes. En el documento bautismal oficial del nuevo cristiano lleva por nombre: Antonio
Lucio Vivaldi.
La sociedad
occidental en lo que va del año 1600 a 1750, llamada Época Barroca, la conforma el rey y su corte, príncipes, mercaderes
y el resto de la población. Y el clero, personas
encargadas hacer menos pesada la vida del resto de los ciudadanos y atormentar
con la idea del infierno y recaudar para el estado papal; lo único que podía
aspirar el hijo de cualquier vecino es ser clérigo y con ello, ser secretario
de un príncipe o de un cardenal.
Al
parecer, el destino de Antonio Vivaldi innegablemente era ser clérigo, no hay
mucha elección, ser clérigo o un don nadie. Aunque, existe un camino, ser
artista. Los artistas son bien pagados, con un poco de suerte y talento, quizá
encuentre un lugar en la corte de un príncipe rico.
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| Antonio Vivaldi (1678-17419. Fuente: Aciprensa |
A
lo lejos, se oyen las campanas de las iglesias de San Marcos y San Michele. Es medio día, los pasos de las
personas se apresuran para llegar antes que comience la celebración. Los fieles
no se pierden ni un domingo para asistir a misa. Es un día soleado, un grupo de
personas se ha detenido para refrescarse bebiendo agua, el sol pega muy fuerte,
ya se ha colocado en lo alto del horizonte. Una joven se queja con la mamá que
le han encargado vestir a sus hermanos más pequeños, se les está siendo tarde.
El
silencio de la iglesia envuelve al alma en una paz infinita, es un momento de
comunión con el Creador. Los cirios alumbran la parte central de la iglesia, en
el centro la imagen de un Santo, patrono de la ciudad. Unos cuantos rayos de
sol atraviesan las ventanas. A lo lejos se oye un himno litúrgico, una melodía
profunda y contemplativa. Es un día muy especial, es la ordenación de un nuevo
cura, los feligreses henchidos de alegría y festividad porque un alma nueva
será el encargado de guiarlos en el camino a la salvación y acceso a la gloria
de Dios.
El
aroma a incienso es asfixiante, el silencio es fantasmal, todos están a la
expectativa, nadie quiere perderse la ordenación del nuevo candidato a sacerdote.
Una voz seria y algo cansado, comienza diciendo: ¡In nomine di Patris, et Filii, et Spiritus Sancti!.
El
nuevo cura tiene la mirada clavado en el suelo, y otras cuantas veces, ve al
público, sin fijarse en alguien en particular. Tal vez, recuerda su primer día
en el seminario, han pasado diez años desde entonces. El nuevo sacerdote no tiene
más de 25 años, es un chico delicado, de nariz aguileña, cabellera roja,
parecía enfermizo. Es 23 de marzo de 1703, es su primer día como cura, a partir
de ahora, podrá oficiar misas dominicales, bautizos, o algún casamiento de
algún rico comerciante. Ese chico enfermizo, en palabras del Cardenal se llama: Antonio Lucio Vivaldi.
Antonio Lucio Vivaldi conocido con el sobrenombre “Il Prete Rosso” (El Cura
rojo), debido a que era pelirrojo y cura de la iglesia; padecía de asma y que lo
acompañó en toda su vida, razón por la cual se retiró de las iglesias. Ofició
misa durante un año. Se cuenta que tuvo que retirarse en tres ocasiones en misa.
Cuando le daba el ataque de asma, que eran frecuentes, no había poder humano que
ayudara. Al ser acusado de ser un sacerdote de no oficiar misa, Vivaldi
respondía no por placer ni por voluntad propia, sino por una grave enfermedad
que le ha acusado desde la infancia y que le seguía atormentando.
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| Ospedalle della Pietá. Fuente: Wikipedia |
El
gusto de “Il Prete Rosso” por la
música nace en el seno familiar con Giovanni Battista, padre del compositor. Gianbattista,
como le llamaban familiarmente, enseño a tocar a Antonio el violín, luego recorrió
toda Venecia tocando con su hijo. Gianbattista Vivaldi fue un destacado
violinista, probablemente de ahí heredó Vivaldi el virtuosismo de su padre.
El
periodo barroco se caracteriza por el gusto excesivo de la ornamentación y la
complejidad de las formas. En la música es el nacimiento de las nuevas formas
musicales como: la ópera, el concierto y el bajo continuo. Antonio Vivaldi le
toca vivir esos cambios y nuevos gustos musicales, en su tiempo fue más conocido y famoso como compositor de óperas que compositor de conciertos.
En la
música instrumental desarrollo la nueva fórmula del concierto con su "L’Estro Armonico" (1712), dando al
concierto el modo habitual de tres tiempos (Rápido-Lento-Rápido), otorgó libertad al
solista de improvisar pasajes complejos y difíciles que el resto era difícil
tocar, e independencia al crear el diálogo entre solista y orquesta.
Tan grande fue la fama de Vivaldi en el concierto, que se regó como pólvora en
toda Europa, llegando a las manos de Johann Sebastian Bach,
este último transcribió algunos de ellos para clavecín.
Hoy en día, Antonio Lucio Vivaldi es famoso por sus Cuatro Estaciones (Le Quattro Stagioni). El también llamado “Il Prete Rosso” (El Cura Rojo), como se le conoció, representa la culminación
de la música barroca italiana; la música de adornos excesivos y extravagante, caprichoso y artificioso.
GUERRA Y MÚSICA I.
El músico como ciudadano no es ajeno a la política, descubre a los compositores que han encontrado inspiración en los sucesos políticos, algunos de ellos con temas independentistas y revolucionarias.
Los pasos se oyen cada vez más cerca, como si alguien los persiguiera para cazarlos. -En cualquier instante están aquí conmigo-, pensó el niño.La estampida de pies, gritos, risas y golpes cayeron sobre el niño que yacía en el suelo, había tragado tierra, con la cara ensangrentada, apenas podía levantarse para evitar la burla de sus hermanos, primos y demás niños. Había tropezado con una piedra. Aquel niño quería ser el primero en llegar al lugar donde sería ejecutado el prisionero.
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| Conde Egmont decapitado |
Esa
mañana, el chiflido del aire matinal se oía claramente, el silencio que se respiraba
te volvía la piel de gallina, el único ruido que salía en esa plaza era
provocado por el martilleo de algún soldado encargado de los últimos detalles
del escaño.
En el aire se escuchó un grito ahogado de una mujer - ¡Egmont ha sido decapitado!-.
En el aire se escuchó un grito ahogado de una mujer - ¡Egmont ha sido decapitado!-.
Egmont
es nuestro héroe de los países bajos que librará una guerra contra los
españoles para expulsarlos de su territorio, está decidido a luchar por la
independencia de su país, no está dispuesto a someterse ante el extranjero y
aceptar las leyes que le han impuesto junto con sus súbditos, es el
protagonista que lucha por la libertad de su pueblo. Los habitantes de Flandes
no soportaran más la opresión de la tiranía española, su destino está en sus
manos, falta solo la chispa que incendie la guerra, y Egmont es esa chispa que
estaban esperando.
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| Johann Wolfgang von Goethe |
La
obertura Egmont de Ludwig van Beethoven fue inspirada por la tragedia homónima Egmont (1788) de Johann Wolfgang von Goethe. El compositor alemán la tomó como motivo para poner música a la tragedia; Beethoven inició la obra en octubre de 1809, es una música
descriptiva. La composición de la obra fue motivado por los ideales de la ilustración francesa de "Libertad,
igualdad y fraternidad" que Beethoven compartía. Así aprovechó esta tragedia para manifestar sus
ideas a través del arte que domina a la perfección: la música.
La obra fue terminada en junio de 1810, lleva por título Egmont Op. 84, Música Incidental de la Tragedia Egmont de Goethe.
La obra fue terminada en junio de 1810, lleva por título Egmont Op. 84, Música Incidental de la Tragedia Egmont de Goethe.
La
orquesta empieza a atacar con energía la entrada de la música, sin temores, no
hay nada mejor descripción de nuestro héroe, seguidos de silencios, silencios
que reforzan la decisión, no hay más que pensar; luego la voz del oboe se
vuelve reflexivo, el alma doliente de un
pueblo que ha perdido su independencia, coartada de libertad, las
cuerdas retoman la melodía del oboe que envuelve en un mar de llanto.
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| Lamoral, Conde de Egmont |
Los
países bajos era dominio de la corona española, hacía años que los españoles
gobernaban esos territorios, los habitantes cansados de ese mal gobierno
extranjero, sojuzgados en su propia tierra, leyes que en nada eran favorables a
ellos, la humillación de sus habitantes que no tenían ni voz ni voto, al
contrario, aquel que pusiera en duda la autoridad era decapitado, una lección a
aquel que se atreva a desafiar la autoridad. Ante las atrocidades cometidos por
los españoles en esa tierras solo faltaba un ingrediente, un líder, un hombre
de la alta aristocracia, igual de poderoso como los gobernantes. Egmont, es nuestro personaje que desafía la
autoridad española.
La tragedia de Goethe fue inspirado por los hechos históricos de Lamoral,
Conde de Egmont. Es un caballero descendiente de las familias más ricas de los
Países Bajos, emparentado con el rey español, muy conocida la historia del
enfrentamiento que sostuvo contra Fernando Álvarez de Toledo, tercer Duque de
Alba, que desencadeno en una guerra entre el Conde de Egmont contra el reino español.
En
esta obertura hay un momento de relajamiento en el que delata la condición del
pueblo flamenco, la lamentación de un pueblo en pena, los días de paz habían
sucedido las armas del Duque de Alba, es la añoranza de esa libertad perdida;
al mismo tiempo la tensión que se percibe en la música, volviendo a retomar el
primer tema cada vez con más fuerza y más agresividad, relata el espíritu
flamenco y de su líder, sacrificarán sus vidas por un ideal maravilloso: la
libertad.
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| Ludwig van Beethoven |
Una
vez que Goethe ha enviado a su héroe en manos de la tiranía, no habrá vuelta
atrás, Egmont ha decidido la guerra, en la batalla se elegirá el destino de
nuestro héroe y de su pueblo, la monarquía española no dejara intimidarse por
un solo hombre, hará todo lo posible para derrotarlo y capturarlo. Después de
tantas batallas, Egmont es capturado, relegado a una prisión para enjuiciarlo,
no habrá perdón. En la música se oye un lamento de las cuerdas, un fragmento de
reflexión que hace sollozar a Clarita, la amante de Egmont, melodía personificada
en la amada que no volverá a ver a su hombre.
En
el pasaje reflexivo de la orquesta, presagia la inevitable muerte del héroe,
Egmont será ejecutado al alba, será decapitado, el campeón de la libertad no
habrá luchado en vano. Los últimos momentos de la vida del héroe, Beethoven
ataca con trompetas, flautín y toda la orquesta anunciando el himno a la
victoria de la libertad.
El
primer estreno fue el día 15 de julio de 1810 en Viena, causó gran revuelo en
el público. Entre los asistentes, Goethe se encontraba en ese concierto, manifestando
públicamente su elogio a la obra y su admiración por el genio de Beethoven.
Les comparto la interpretación a cargo de Wilhelm Furtwängler frente a la Berliner Philharmoniker en 1947. La interpretación es la más aceptada por los críticos.
El estilo barroco en la historia de la
música es el gusto por la ornamentación en las obras, el gusto por lo curvo, el
gusto por la complejidad de las formas, como reacción contra la polifonía
del siglo XVI. El periodo barroco en la música transcurre en lo que
va del año 1600 a 1750.
El
término barroco se designa al movimiento cultural y artístico del
siglo XVII y mediados de siglo XVIII, principalmente para referirse a las artes
visuales de una forma peyorativa, su característica principal es la abundancia
de adornos.
La música barroca no solo rechazó el pasado y se dedicó a emplear mucha
ornamentación para su distinción, sino hubo innumerables innovaciones
estilistas, para ello se habla de un periodo barroco temprano y tardío.
Barroco temprano.
En el barroco temprano incluye el surgimiento de la monodia acompañado, de la ópera y estilo concertado; podemos identificarlo en las obras de los maestros italianos como Monteverdi, Caccini, Frescobaldi y Carissimi.
- Monodia. Predominio de estilo vocal sobre el instrumental, principalmente
el canto acompañado. Eje. Caccini, La nuova musiche (1601).
- Ópera. Drama principalmente cantado con acompañamiento de una
orquesta, y se presenta en teatro. La ópera propiamente dicha
aparece aproximadamente en 1600, con la camerata florentina.
Las primeras óperas, fueron Dafne (1602), un poema de
Rinuccini y música de G. Caccini; Euridice, poema de
Rinuccini, con música de Peri y Caccini (1600). El gran momento de la
historia de la ópera fue con La favola d'Orfeo, de
Monteverdi y con poema de A. Striggio.
- Concertado. Contraste en timbre, sonoridad e intensidad entre grupos de
instrumentos o entre instrumentos y voces. En obras vocales de siglo XVII,
encontramos coro concertato que significa un grupo
pequeño de cantantes, en contraste con el coro completo (coro ripieno o
la capella).
Barroco tardío.
La brecha entre lo antiguo y el arte
nuevo cada vez es más lejano, la música instrumental se entregaba al
servicio del canto, el canto se transformó en ópera, los instrumentos
cobraban vida entre un grupo y otro, entre un instrumento (Solo) contra todos
(tutti-orquesta).
Esta etapa de la música comienza a
finales del siglo XVII, el estilo barroco ya se ha extendido casi en
toda Europa, es común escuchar el mismo estilo tanto en Italia como
en Alemania, el nuevo estilo ha predominado. Es el establecimiento de la
tonalidad de tónica dominante, el surgimiento de la ópera seria,
culminando con las obras de Bach y Handel. También se habla de un estilo
italiano, francés y alemán.
- Tonalidad. Desde su aparición se sigue utilizando hasta hoy, consta en
organizar el diapasón en un solo diapasón, llamado tónica,
que se convierte en central. Es la base de toda la
música occidental.
- Ópera seria. Data
del siglo XVIII, con argumento serio. Se cultivó en toda Europa,
menos Francia. Llamada a veces opera napolitana. Su base se encuentra en
los ideales de A. Zeno y P. Metastasio, reformaron el libreto
eliminando los episodios cómicos y fantásticos, creando una
estructura unificada dramática, en tres actos. El
más importante de la opera seria italiana fue G.F. Handel,
compuso muchas obras en Londres entre 1711 - 1740, Giulio Cesare (1724),
Tamerlano (1724), Rondelina (1725).
Esta etapa de la música, también se
conoce como el periodo del Bajo continuo, principal recurso técnico usado
en el repertorio barroco, y común entre los compositores.
Bajo Cifrado - continuo. Es el acompañamiento que suministra las
notas bajas, designando los intervalos y acordes que se deben de tocar por uno o
dos instrumentos, frecuentemente se usaba el clavicémbalo para ejecutar
las armonías, y un instrumento de melodía para reforzar la línea del
bajo, como el cello o viola da gamba. Para la realización del bajo
continuo se requiere de una destreza y habilidad de improvisación para no caer
en la monotonía melódica.
El periodo barroco en la
historia de la música culmina, curiosamente con la muerte de Johann
Sebastian Bach.
Consulta el programa de conciertos de la Orquesta Sinfónica
del Estado de México. La Temporada 135 de la OSEM, el primer concierto inicia
el viernes 3 de febrero de 2017.
La temporada de este año abre
con la Rapsodia en Azul, George Gershwin (Estados Unidos), piano María
Yavroumi; con la Fantasía para un Gentil Hombre de Joaquín Rodrigo (España),
Alfonso Moreno, guitarra; y concluye con la Sinfonía no. 1, en sol menor, Op.
13, Piotr Ilyich Tchaikovsky (Rusia); con la conducción del Maestro Enrique
Bátiz, Director General de la OSEM.
El
niño prodigio siempre ha suscitado admiración por el público de una época,
caracterizado por la habilidad y capacidad que sobrepasa los límites de su
edad, uno de los más famosos compositores clásicos Wolfgang Amadeus
Mozart fue un niño prodigio que a su tierna edad de 5 años ya había
compuesto una pieza musical, tocaba el clavecín y el violín con gran maestría.
Hoy en día Alma Deutscher es comparada con Mozart, le llaman la “Señorita
Mozart” en gran Bretaña, al igual que Mozart toca el piano, violín y ha
compuesto una ópera.
Alma
Deutscher nacida en febrero de 2005 en Oxford, Inglaterra. Su padre Guy
Deutscher es un prestigioso lingüista israelí con residencia en Inglaterra.
Alma empieza sus estudios de piano a los dos años de edad y comienza su estudio
del violín a los tres años. Son seres extraordinarios, como venidos de otro
planeta, que antes de saber escribir e identificar las letras del abecedario ya
identifican perfectamente las notas en los instrumentos musicales.
Sus
primeras composiciones fueron a los cuatro años, la primera sonata para piano a
los seis años. Ya a su corta cuenta con una ópera corta, contando con siete
años; a los nueve años un concierto para violín. La ópera más larga y con
características propias de la ópera, la ha compuesto a los diez años, “The
Sweeper Dreams” se ha estrenado en Viena y apadrinada por el
famoso director de orquesta Zubin Mehta.
Alma
Deutscher se ha presentado como solista en el piano y violín, tocando en
distintos países como Alemania, Italia, Austria, Suiza, Estado Unidos, Israel,
Japòn, Uruguay, entre otros. Toca con un violin Carlo Bergonzi, instrumento que
data de finales del siglo XVII.
La
niña prodigio ha recibido grandes elogios por parte de músicos famosos y de
renombre internacional.
“Tiene todo lo que no se puede aprender”, Daniel Barenboim.
“Una genio y uno de los grandes talentos de
nuestros días”,
Zubin Mehta.
“Es extraordinario lo que esta jovencita ha logrado
alcanzar con el violín y el piano, y en sus composiciones. Su sensibilidad
musical y su capacidad expresiva ya a esta edad subrayan su talento
excepcional”, Anne-Sophie
Mutter.
En
2013 Alma Deutscher publicó su primer disco, “The Music of Alma Deutscer”.
https://www.almadeutscher.com/
https://www.youtube.com/user/AlmaDeutscher
https://www.almadeutscher.com/
https://www.youtube.com/user/AlmaDeutscher
