El Dilettante: 2018

¿Qué es un villancico? Origen y concepto del villancico.

Entras a una tienda, a lo lejos, se oye una canción muy alegre, es Rodolfo El Reno; luego sigue, Blanca Navidad, Campana sobre campana, El Niño del Tambor y una lista interminable de canciones dedicadas a la Navidad. La mayoría de nosotros en nuestra infancia alguna vez cantamos alguna de esas canciones navideñas, no existe edad para que guste; dado a su naturaleza, son fáciles de memorizar y cantar. Son canciones cortas, sencillas, pegadizas y alegres, susceptibles de influir en el estado de ánimo de las personas. Pero ¿Qué es un villancico?

La Canción de los Ángeles (William-Adolphe Bouguereau 1825-1905). Francia.
Fuente: Historia Arte

Los villancicos hoy día, se cantan y se escuchan sólo en las celebraciones decembrinas, también juegan un papel importante y que da significado a la navidad en el mundo occidental cristiano. Es la anunciación del advenimiento de un héroe, el héroe es un niño y su familia. Los villancicos se caracterizan de ser alegres, llenos de júbilo por la llegada del hijo de Dios a la tierra.

El origen de los villancicos dista mucho de lo que actualmente consideramos, como algo religioso. En un principio eran cantos populares, pertenecientes a las personas que vivían en las villas, o personas que vivían en el campo, de ahí el origen del término villancico. Derivada de la palabra villa, con significado de pertenencia, del lugar donde se reside; es decir, de la villas, con la única finalidad de contar los acontecimientos cotidianos de los pobladores o villanos: amores, desamores, fallecimientos, sátiras y burlas de todo acontecimiento del interés del pueblo. Las canciones al ser cantados en las villas se les llamó villancicos, coplas de villanos o coplas de villancico.

El villancico.
Fuente: EL VILLANCICO | Cantoinspirado's Blog

En el Renacimiento aparece ya no como un simple canto popular, sino como una forma musical. Existe una gran influencia de Italia en los villancicos actuales, no olvidemos que Italia fue cuna del Renacimiento; y, tuvo mucho que ver de los compositores italianos para el desarrollo de la música occidental, ya que tuvo dominio en el panorama musical europeo hasta finales siglo XVIII, tanto en la música instrumental como en la ópera. En Italia el villancico aparece como un encargo por las autoridades eclesiásticas a los compositores, volviéndose más complejo y rígido en su estructura, más escolástico.

Las canciones de navidad también tienen un origen eclesiástico para promover y divulgar la idea religiosa, como una forma evangelizadora, tomando motivos religiosos para las festividades religiosas de Navidad, Corpus Christi, la Asunción, la Inmaculada Concepción o festividades de santos. La composición más antigua de este índole data del siglo IV, lleva como título: Jesus refulsit omnium. Así fue como surgieron los villancicos en la iglesia católica, llegando hasta nuestros días, tal como los conocemos ahora, cantado por niños en el coro y entorno a la Navidad.

La Adoración de los Reyes Magos (Pater Paul Rubens 1577-1640). Flandes, Bélgica actualmente.
Fuente: prensalibre.com

La tradición de los villancicos está muy extendida en el mundo occidental donde predominó la religión cristiana, cada país ha creado coplas, canciones navideñas o villancicos para celebrar la navidad. Los países de habla hispana lo denominan a esta canción como villancico; los franceses lo nombran como Nöel; los británicos le llaman: Carol; los alemanes designan a la canción de navidad con el término Weinhnachtslied (Canción de Noche Buena), y los italianos le llaman Conzonetta di Natale o laude.

Los villancicos más conocidos es Noche de Paz (Stille nacht, heilige yach), musicalizado por Franz Gruber y letra del P. Joseph Mohr (Austria); Carol of the Bells, We Wish You A Merry Christmas (Tradicional inglesa); Campana sobre campana y Los Peces en Río (España); Blanca navidad (White Christmas) y Jingle Bells -Estados Unidos-; Cantique de Nöel (Tradicional francesa); El niño del Tambor ( Carol of the Drum); O Tannebaum, In dulci jubilo (Alemania), y Tú desciendes de las estrellas (Tu scendi delle stelle) villancico italiano.

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Glosario

¿Qué es un Concierto? Concepto y definición.

El término concierto tiende a confundirnos a la hora de emplearlo, ya que tiene dos acepciones; la primera acepción, es un acto público para oír música de toda clase, o como acto al que se asiste para oír determinadas composiciones musicales interpretadas por uno o varios artistas en un lugar específicamente designado, como teatros o auditorios, que solemos llamar salas de concierto; y la segunda acepción, es una forma musical con características específicas, muy usado en la música clásica, cuando oímos hablar de las famosas Cuatro Estaciones de Vivaldi, es el claro ejemplo del concierto que estamos hablando como forma musical, en este caso, son conciertos para violín.

Lisa_Batiashvili_mejores_violinistas_conciertos_violin

Lisa Batiashvili, violinista (Georgia).
Fuente: Digital Concert Hall

La palabra italiana Concerto, derivado del verbo latino concertare, significa contender, es decir, luchar u oponerse en un tiempo simultáneo para ponerse de acuerdo. En la música se adopta el término en ese sentido para indicar una pieza musical en la que coinciden grupos de voces y de instrumentos (o voces solas) que contrastan entre sí por su sonoridad. El término concierto al parecer comienza a usarse en el siglo XVI.

Sala_de_Conciertos-Felipe_Villanueva_Toluca_México

Sala de Conciertos "Felipe Villanueva. Toluca, Estado de México.
Fuente: México Desconocido

El concierto requiere de un instrumento solista (o Solisti), frecuentemente se empleaba el violín por su agilidad, como fue desarrollándose la nueva forma musical fue sustituyéndose por otros instrumentos igual de ágiles como el clavecín, la flauta o el oboe, finalmente el piano. Es Arcangelo Corelli (1653-1713) a quien se le debe la invención del concierto (primitivo) llamándole Concerto Grosso, aunque otros historiadores atribuyen al compositor Alessandro Stradella (1642-1682) dicha invención, la prematura muerte del último le impidió desarrollarlo.

Fue Arcangelo Corelli quien lo desarrolló, optando por dos bloques de instrumentos: bloque de violines (o sus equivalentes), con dos violines comúnmente, podía doblarse con su bajo continuo: un violonchelo y un clave, es la sección más ágil, es un cuerpo aparte de la orquesta, llamada concertino porque su misión era concertar con el resto de los instrumentos, y el resto de la orquesta la constituían dos secciones de primeros violines y segundos violines, una sección de violas y su propio bajo continuo (ocho como mínimo, dos por sección), a este se le llamó ripieno (relleno). Este tratamiento de instrumentos por bloques creando oposición entre el concertino que tocaba pasaje de gran brillantes (Solo), que requería de agilidad técnica y maestría con el instrumento, solo tocaba el grupo concertino, y los pasajes más densos y que destacaba por la gran explosión sonora de todos los instrumentos (Tutti) también intervenía el ripieno; este carácter y forma musical se le llama Concerto Grosso.

Características y elementos del concierto.

Tres movimientos: Rápido-lento-rápido.
Orquesta: Hace primera exposición del tema a cargo de la orquesta de forma abreviada y modificada, introductoria. Segunda exposición completa por la orquesta.
Solista (Violín, piano, flauta, etc.): Demuestra cierta exhibición de virtuosismo.
Cadenza para el solista.
Tercer movimiento en forma de rondó.

Se han seleccionado algunos conciertos para piano y violín que a menudo están en los programas de las salas de conciertos para identificarlo y distinguirlo. Por ejemplo, el Concierto para piano No. 1 en si bemol menor de Tchaikovski; el Concierto para piano No. 1 en re menor de Johannes Brahms; Ludwig van Beethoven, Concierto para piano No. 5 “Emperador”, compuso cinco conciertos para piano; Mozart y sus 27 conciertos para piano; Edvard Grieg, Concierto para piano en la menor; Sergei Rachmaninov y sus 3 conciertos para piano, entre otros.

Arcagelo Corelli (1653-1713). Compositor barroco (Italia).
Fuente: Classic FM

Los conciertos para violín y orquesta encontramos al finlandés Jean Sibelius y su concierto para violín en re menor; Tchaikovski, Concierto para violín en Re Mayor; Max Bruch, Concierto para violín No. 1 en sol menor; Johannes Brahms, Concierto para violín en Re Mayor; Beethoven, concierto para violín en Re Mayor; Felix Mendelssohn, Concierto para violín en mi menor; Sergei Prokofiev, Concierto para violín No. 1 en Re Mayor y No. 2 en sol menor; Niccoló Paganini y su Concierto para violín No. 1. Los conciertos citados abarcan el periodo clásico hasta el periodo post-romántico.

En el periodo barroco nos encontramos a compositores como Antonio Vivaldi, famoso por sus Quattro Stagioni, que compuso más de 200 conciertos para violín, cada concierto forma parte de una colección (L´Estro Armonico, Il Cilmento dell´armonia e dell´Invenzioni, La Stravaganza, entre otros), conciertos para flauta, oboe y violonchelo. No podemos pasar por alto el alemán Johann Sebastián Bach, quien exploró la nueva forma musical con sus siete conciertos para clavecín, tres conciertos para dos claves, dos conciertos para triple clave y un concierto para cuatro claves; un Concierto para dos violines en Re Mayor y un Concierto para violín en la menor, un concierto para oboe y violín en do menor.

Existen conciertos no propiamente para piano o violín, sino para clavecín (Conciertos para clave de Bach), los conciertos para oboe de Tommaso Albinoni, el Concierto para clarinete en la menor K. 622 de Mozart, el concierto para flauta No. 1 de Mozart, Concierto para violonchelo en si menor de Antonin Dvorak, todos ellos tienen un instrumento solista y una orquesta que acompaña a solista.

El concierto a partir de la etapa clásica hasta nuestros días se enfocó a un instrumento solista (Llámese violín, piano u otro instrumento) y como acompañamiento a toda la orquesta. El concierto barroco generalmente integraba el solista o solistas y una orquesta de cuerdas y bajo continuo, la evolución de la nueva forma musical fue lento, cada época agregó una característica llegando como lo conocemos actualmente.

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Conciertos

CONCIERTO DE ARS MUSIK: VIVIENDO A BACH.

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Conciertos

ALONDRA DE LA PARRA DIRIGE A LA OSEM EN TOLUCA

Alondra de la Parra dirigirá a la Orquesta Sinfónica del Estado de México el 15 de junio de 2018 en la Sala de Conciertos Felipe Villanueva de la Ciudad de Toluca.

Alondra de la Parra es una de las directoras más famosas entre las directoras de orquesta en el mundo. La dirección de orquesta era un terreno dominado por los hombres hasta hace unos años, el ascenso de la mujer en los puestos públicos y privados ha trascendido hasta en la música, hasta hace poco ya es normal ver a una mujer empuñar la batuta frente a la orquesta.

Alondra de la Parra, Directora de Orquesta (Méx.).
Fuente: https://alondradelaparra.com/es/

Alondra de la Parra es muy conocida al llevar la música latinoamericana al exterior, específicamente la mexicana. Ha dirigido un centenar de orquestas en el mundo, y dirigido a las orquestas más prestigiosas del mundo. Por ejemplo, la Orquestre de Paris, la London Symphony Orchestra, la Tonhalle-Orchester de Zurich, la Orquesta de la Radio Sueca, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, y en este año a la Elbphilharmonie. En el 2017 fue electa como Directora Musical de la Orquesta Sinfónica de Queensland (Australia).

En el concierto se presentará también, el famoso pianista Paul Lewis, interpretando el Concierto No. 5 en Mi bemol Mayor Op. 73 de Wolgang Amdeus Mozart. Paul Lewis es un pianista británico, famoso por sus interpretaciones del ciclo de obras para piano de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Se presenta a menudo como solista con las mejores orquestas del mundo, como la Boston Symphony, Chicago Symphony, London Symphony, London Philharmonic, Bavarian Radio Symphony, NHK Symphony, New York Philharmonic, LA Philharmonic, y la Royal Concertgebouw, Cleveland, Tonhalle Zurich, Leipzig Gewandhaus, Philharmonia, y Mahler Chamber Orchestras.

Paul Lewis, pianista (UK).
Fuentes: http://www.paullewispiano.co.uk/gallery

Paul Lewis ha ganado varios premios que se otorgan a artistas de élite en el mundo de la música clásica, como el mejor instrumentista del año que otorga Royal Philharmonic Society’s, tres veces Gramophone awards, el Diapason D'or de l'Annee, el Preis Der Deutschen Schallplattenkritik, el Premio Internazionale Accademia Musicale Chigiana, el the South Bank Show Classical Music award. Ha grabado con los sellos discográficos más importantes de la música clásica, Harmonia mundi, Deutsche Grammophon, y ha estudiado con Alfred Brendel.

Programa

La primera parte del concierto que dirigirá Alondra de la Parra el próximo 15 de junio será el Concierto en Mi bemol (Dumarton Oaks) de Igor Stravisnky, y el Concierto para piano No. 5 en Mi bemol Mayor Op. 73 de Wolgang Amadeus Mozart; la segunda parte, el Concierto para Orquesta de Sz. 116, BB123 de Béla Bartók. Es un programa nada fácil y complejo para el auditorio, a excepción del Concierto para piano de Mozart que es netamente clásico, ya que integra a dos compositores de la época contemporánea que exploraron otras alternativas en el leguaje musical, dando como frutos el Concierto para Orquesta de Bártok, y el Concierto Dumarton Oaks de Stravisky.

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Glosario

Diferencias entre la música clásica, popular y tradicional

Al hablar sobre música, inmediatamente pensamos: música clásica y popular, como géneros principales. Y nos olvidamos de la música tradicional o folklórica, porque llegamos a confundirla con la música popular.

La música al adjetivarla trae muchas confusiones al momento de diferenciar entre un género y otro. Para distinguir los géneros en la música, hemos tomado los tres géneros principales aceptados comúnmente: La música clásica, popular y tradicional.

Música clásica o seria

Cuando decimos música clásica, y nos vienen en mente los nombres de Mozart, Beethoven, Haydn, por mencionar los más conocidos, vamos por buen camino. La música clásica es un periodo en la historia de la música que abarca entre 1750 a 1820, no es un género.

La música culta o de tradición escrita, es considerada una música elitista y selectiva, perteneciente a un grupo muy reducido de la sociedad, pero ¿Qué la hace diferente entre los demás géneros?

La música académica o de conservatorio, algunos la llaman clásica, seria y otros culta, es un tipo de música que en su estructura está preconcebida, formas y estilos sometidos a la racionalización y análisis teórico.

La música seria o culta no se reduce a la música puramente instrumental, incluye lo vocal eclesiástico, la ópera y el ballet.

La música popular aldeana o campesina, no fue soslayada por la música culta, los compositores del siglo XVIII encontraron inspiración imitándola. En las representaciones de ballet en la corte de Luis XIV “El Rey Sol”, Jean-Baptiste Lully empleó danzas campesinas francesas, como el minué, la musette; Bach no escapó de emplear las mismas danzas al estilo francés.

Música popular

El término música popular se emplea actualmente para referirse a la música masiva, que llena grandes auditorios, como el rock, el pop y otros. Este tipo de música suele ligarse a la industria y la audiencia como producto de consumo. Es la música preponderante en la sociedad actual.

Las melodías en la música popular en su estructura son más simples, concebida siempre para a una sola voz, por lo mismo es más fácil escuchar. Sostiene Backer: “La música popular es aquella que es fácil de memorizar y que el oyente relaciona con algún momento de su vida”.

El ascenso de la música popular no fue hasta el advenimiento de la Ilustración Francesa, también llamado “El Siglo de las Luces”, con las ideas de libertad, igualdad y fraternidad que tuvo su desenlace con la Revolución Francesa. La barrera hasta entonces existentes en la música, traspasó a la corte y a la nobleza, el ingrediente a agregar son las celebraciones y festividades populares.

La Segunda Revolución Industrial en el siglo XIX, es uno de los acontecimientos que dio más auge el desarrollo de la música popular, con el modelo de “Producción en Serie”, el abaratamiento de los instrumentos musicales, la suscripción en revistas y periódicos que contenían canciones que eran hits en ese momento. La invención del fonógrafo y la radio, fue el vaticinio de un mercado musical global. Posteriormente la creación de las casas discográficas, la aparición de la televisión, desde ahí Música popular y Tecnología tienen un vínculo inseparable para su preponderancia.

Música tradicional

La expresión tradicional o folklórica hace referencia a los hábitos y ritos, creencias y costumbres de un grupo social que se ha transmitido de generación en generación, como formas de expresión homogéneo de una comunidad.

En la música tradicional las melodías han estado difundidas en una clase social de un país a través de generaciones inmemoriales. Al respecto, Béla Bartók, dice: “Constituyen la expresión instintiva de la sensibilidad musical de una clase social, que satisface sus propias exigencias materiales y morales conforme a las propias tradiciones”.

La música folklórica es aquella música de una colectividad (Regional o local) que se ha recibido por tradición, ha pasado de forma oral o de oído en generaciones, a ciencia cierta nadie sabe quién la inventó, pero lo que es cierto es que la hacen suya, sin la observancia de las normas estructurales y formales de composición.

La música tradicional es interpretada de forma individual, con modificaciones y variaciones personales o regionales, improvisaciones ad libitum y repeticiones de mismas características. La música tradicional o folklórica son melodías que tienen carácter y estructura iguales.

Fuentes

Baker, F. (1933). Popular music. Music and Letters.

Béla, B. (1981). Escritos sobre música popular. México: Siglo XXI editores.

Sandi, L. (s.f.). MUSICA FOLKLORICA Y MUSICA POPULAR. UNIVERSIDAD DE MEXICO, 26-27.

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